24 janvier 1952 : deux jeunes argentins, Ernesto Guevara, âgé de 23 ans, étudiant en médecine, et Alberto Granado, bientôt 24 ans, biochimiste, quittent Buenos Aires en fanfare sur une vieille moto pour entreprendre un périple de huit mois à la découverte de l’Amérique latine…

Carnets de voyage, adaptation du livre Voyage à Motocyclette d’Ernesto Che Guevara, est tout sauf une fresque emphatique et larmoyante. Le récit de ce voyage de jeunesse qui éveillera la conscience sociale des deux hommes est avant tout un film sur l’apprentissage de la vie ou comment se découvrir et se forger une identité.
Le road-movie, empreint au commencement de légèreté et d’humour insouciant, se charge par petites touches de gravité au fil des kilomètres traversés par la Norton 500 cm3 de Granado dont les embardées et pannes à répétition illustrent en soi la tournure intense peu à peu prise par l’aventure.

 
Formellement irréprochable, admirablement servi par la photographie de Eric Gautier, le film de Walter Salles fait la part belle à ses acteurs, dans son picaresque badin comme dans son drame pudique. Rodrigo de la Serna d’abord, interprétant Alberto Granado et surtout Gael Garcia Bernal, héros discret aux vibrations lyriques et à la beauté sidérante. Salles leur offre une histoire forte traitée avec sincérité.

Sources : Filmdeculte 08/09/04 – (Nicolas Bardot). À voir à lire 15/04/14 – (Nicole Maion)

En 2001, la jeune et jolie Qiao est amoureuse de Bin, petit chef d’une bande de « mauvais garçons » de Datong. Alors que celui-ci est attaqué par des sbires d’une bande rivale, Qiao prend sa défense et tire plusieurs coups de feu. Elle est condamnée à cinq ans de prison. A sa sortie, elle part à la recherche de Bin…

Dix ans plus tard, de retour à Datong, Qiao, toujours célibataire, a réussi sa vie en restant fidèle aux valeurs de la pègre. Un jour, Bin revient, usé par les épreuves, pour retrouver la seule personne qu’il ait jamais aimée…

En vingt ans, Jia Zhang-ke a su ausculter de nombreux aspects de la Chine contemporaine. Les premières minutes des Eternels  semblent apporter une nouvelle pierre à son édifice de réalisateur implacable. On y retrouve la représentation d’une vie citadine phagocytée par une pègre omniprésente. Les images jouant sur l’opposition entre violence (en rouge) et innocence (en vert), nous replongent dans cet univers sanglant et déshumanisé. Et pourtant, si le microcosme ultra-violent qu’il y dépeint était malgré tout propice à une histoire d’amour ? 

Jia Zhang-ke n’en reste pas moins sévère sur l’état de son pays – son sujet de prédilection – puisqu’on peut voir la désillusion de son héroïne comme celle d’une nation entière dont la volonté obsessionnelle de changement ne mène à rien de joyeux.

A mi-chemin entre romance et film de gangster, ce film Les éternels est une lettre d’amour en morceaux, une déclaration envoyée depuis trois époques de la Chine du XXI ^ème siècle et c’est bouleversant.

Sources : Le Monde, 12 mai 2019. Première, février 2019.

Nora est sur le point d’épouser l’homme qu’elle aime sans passion. Ismaël se retrouve dans un hôpital psychiatrique à la suite d’une mystérieuse demande d’hospitalisation. Deux personnages qui se sont perdus de vue, deux narrations qui se croisent… 

Rois et reine se présente comme un film à la construction éclatée qui fait la part belle à des personnages complexes aux stratégies de survie différentes. Si Nora plonge, s’immerge, embrasse l’existence dans toute sa violence, en défendant bec et ongles son objectif, Ismaël esquive, se déplace, renvoie toutes les responsabilités comme des balles au bond. Entre le mélodrame et le burlesque, Arnaud Desplechin ne tranche pas et s’attache aux déséquilibres personnels de chaque personnage. 

Inspiré par la mythologie, la figure tourmentée de l’héroïne hitchcockienne, la farce, Arnaud Desplechin rend hommage au cinéma de genre. Avec Mathieu Amalric et Emmanuelle Devos, le réalisateur retrouve une partie de «sa famille d’acteurs». A travers des personnages d’une grande profondeur, à l’opposé de leurs apparences immédiates, il évoque les étapes les plus douloureuses de l’expérience humaine (deuil, rupture, dépression).

Film emblématique du réalisateur et film phare du cinéma français, Rois et reine est une œuvre à tiroirs aux interprétations multiples qui rappelle qu’un jour ou l’autre, chacun devient roi ou reine de sa propre histoire.

Les Inrocks – www.ecranlarge.com du 20/12/04 – www.avoir-alire.com du 27/04/2013

Nanouk et Sedna, la cinquantaine, vivent harmonieusement le quotidien traditionnel d’un couple de Iakoutes. Ils coulent des jours heureux isolés en pleine toundra sibérienne. Mais le rythme séculaire qui ordonnait jusqu’à présent leur vie et celle de leurs ancêtres vacille…

Enfant, Milko Lazarov se passionnait pour les grandes découvertes de Roald Amundsen. Il dit aussi volontiers que son film Ága est un hommage à Nanouk l’Esquimau de Robert Flaherty.

Le tournage en Iakoutie (en argentique, 35 mm) a duré trente-six jours, dans des conditions climatiques difficiles. La lumière, blanche et douce, inspirée par des tableaux de Vermeer est extrêmement stylisée, notamment à l’intérieur de la yourte et sur les visages. Les extérieurs flirtent avec l’abstraction dans des plans fixes splendides où la terre semble constamment se confondre avec le ciel. On a souvent demandé au réalisateur pourquoi l’image de Ága est vignettée, c’est -à- dire avec des angles arrondis.« Il faut avoir les yeux grands ouverts dans le Nord, nous avons donc ouvert le cadre au maximum, ce qui explique ce format », explique-t-il.

Porté par une utilisation inattendue et bouleversante de la 5ème Symphonie de Mahler, ce conte universel autour des rapports entre tradition et modernité, entre parents et enfants, subjugue le spectateur, transporté dans les paysages fabuleux du Grand Nord.

Sources : Télérama – 21 novembre 2018 – Dossier de presse

EN AVANT- PREMIERE

Petra, jeune artiste-peintre, croit avoir trouvé le père qu’elle recherche en la personne d’un sculpteur célèbre, Jaume, qui accepte de l’accueillir comme stagiaire dans son atelier. Elle découvre alors un homme cruel, égocentrique et manipulateur, qui fait régner parmi les siens rancoeur et violence. Sans rien révéler de sa réelle motivation, Petra essaie de se rapprocher de cette famille où dominent les non-dits. Trouvera-t-elle ce qu’elle est venue chercher?

Petra peint des œuvres néo-figuratives qui sont l’expression de sa recherche identitaire. Jaume sculpte des œuvres monumentales et inquiétantes. Après la peinture qui esquisse la scène, la sculpture donne matière et relief au film. S’installe alors la tragédie classique, au soleil espagnol qui brûle plus qu’il ne réchauffe.

Le montage est fait de sept chapitres qui s’enchaînent dans le désordre, ce qui renforce le temps de l’imaginaire, et laisse au spectateur la possibilité de reconstituer un puzzle essentiel à la compréhension de chaque personnage. L’esthétique cinématographique très soignée de Petra réunit une image magnifique et une musique en parfaite symbiose, sans oublier l’interprétation très juste des acteurs. Toutes ces compétences s’unissent pour faire de Petra un film rare et précieux.

Sources: Cinespagne.com. Culturebox.com

Clément est amoureux transi de Mona. Quand celle-ci oppose à ses avances une fin de non-recevoir, son ami Abel lui conseille de s’obstiner et de s’imposer. La nuit qu’ils vont passer ensemble donne aux Deux Amis sa matière, que le scénario, cosigné par Louis Garrel et Christophe Honoré, travaille avec un bonheur certain, jouant de l’opposition des personnalités et de renversements de situation. Un triangle amoureux bizarre se forme avec ses tensions cruelles et il évolue au gré des variations du récit.

« Je savais que le scénario avait un prologue assez long avant que l’action ne commence vraiment. J’ai parlé avec la directrice de photographie du film Claire Mathon qui a été une grande alliée pendant le tournage pour que l’on soit tout le temps en mouvement ». (Louis Garrel)

La séduction l’emporte car le film trouve sa voie et son ton dans un principe de légèreté grave à laquelle il n’entend jamais déroger, surtout dans ses plus belles scènes.

On croit assister à un documentaire sur un imaginaire d’acteur encombré déjà de trop de rôles pour parvenir à démêler ce qui relève du vrai et du faux, du sensible ou de l’inventé.

C’est vif, intelligent, souvent drôle, touchant aussi et la subtilité du jeu de Golshifteh Farahani fait merveille.

Sources : Libération 22/11/15 (Julien Gester).
L’Obs 23/10/15 (La rédaction).

Dans ce premier long métrage, Etienne Kallos ne pose pas un regard indulgent sur son pays natal : l’Afrique du Sud. Dans cette province de l’Etat Libre, la mentalité des Afrikaners est aussi étroite que le paysage est vaste. Région fascinante que cette “Bible belt” où poussent les églises entre les exploitations agricoles clairsemées et les champs de maïs à perte de vue…

C’est dans une de ces fermes isolées que grandit Janno. L’adolescent porte sur ses épaules le lourd héritage de l’Apartheid qu’il n’a pourtant jamais connu. Est-ce cela qui le rend timide et introverti ? Un jour, sa dévote mère ramène à la maison Pieter, un junkie de son âge, qu’elle lui demande de traiter comme son propre frère. Janno met tout en oeuvre pour que Pieter parvienne à s’intégrer à leur mode de vie. Entre les deux garçons, s’engage une sourde lutte pour capter l’amour et le pouvoir au sein de la tribu familiale.

Ce premier film ne peut que toucher et interpeller parce qu’il livre une histoire à la fois singulière et universelle, tout en simplicité et profondeur.

“A l’intérieur des maisons, l’image du film rappelle la peinture flamande, mais les plaines blondes évoquent, elles, les couleurs de l’Angélus de Millet, ou la lumière dorée des Moissons du ciel de Terrence Malick. Jusqu’à un brasier d’une beauté d’Apocalypse”  

Guillemette Odicino Télérama n° 3605

Sources : Utopia – L’Obs – Dossier de presse – février 2018

EN AVANT-PREMIERE 

Deuxième long métrage de la cinéaste brésilienne Beatriz Seigner, Los Silencios se déroule sur l’île de la Fantasia, petite île de l’Amazonie au croisement de trois pays : Brésil, Colombie et Pérou. C’est là que débarque Amparo, accompagnée de ses deux enfants Nuria et Fabio, dans l’espoir d’échapper aux conflits armés colombiens au cours desquels son mari a perdu la vie. Alors qu’elle s’efforce de faire valoir ses droits au Brésil et de reconstruire une vie normale, son mari soudain réapparaît…

De manière presque imperceptible, progressive, et profondément liée à la configuration de ces lieux insulaires et limitrophes où frontières et pays se confondent, le film nous ménage de grandes surprises qui déroutent totalement. Qui est vivant? Qui est mort? Même si elles laissent peu de place au pardon, les scènes très émouvantes entre morts et entre vivants, évoquent avec poésie un possible apaisement. 

D’une sobriété déconcertante, ce film contemplatif magnifie des lieux a priori sordides, souvent soumis aux intempéries, par un travail sur les couleurs fluorescentes, laissant peu à peu entrevoir ce que le spectateur occidental, bien trop rationnel, a tendance à laisser de côté…

Sources: Libération, 11 mai 2018. Culturebox.com.

Boris et Dimitri Pizarnik sont médecins à Paris. Ils sont frères et c’est ensemble qu’ils pratiquent leur métier, consacrant tout leur temps à leurs patients. Une nuit, ils sont amenés à soigner une petite fille diabétique que sa mère, Judith, élève seule. Ils tombent tous deux amoureux de Judith. 

Tirez la langue, Mademoiselle est une chronique de voisinage à l’ancienne, telle qu’on n’en voit plus beaucoup. Tout le talent de la cinéaste est d’avoir su filmer avec un sens aigu de la topographie et du décor urbain, les allées et venues, les hauts et les bas, les jours, et surtout les nuits, d’une galerie de figures un peu désuètes, mais attachantes en raison de cette désuétude.

Axelle Ropert n’a rien à vendre, elle entend juste solliciter nos affects les plus enfouis en racontant une histoire avec douceur et précision. Pas de tragédie. Non, juste de la cruauté et de l’amour, du hasard et de la fatalité, de la santé et de la maladie, de la vie et du trépas. Le train-train de l’injustice et du bonheur quotidiens, mais troussé avec une élégance souveraine. Un film délicat où Louise Bourgoin, belle et pleine d’esprit, est impériale.

Sources : Les Inrockuptibles 4/09/13, L’Humanité 4/09/13

« Dans certaines résidences avec grille, bâtiments A, B, C, D etc, porte palière, et même ascenseur sous haute surveillance codée, la mort a tous les accès quand les hommes du SAMU, eux, sont désarmés… Les talentueux Olivier Rabourdin et Slimane Dazi s’obstinent et s’énervent dans ce court au rythme haletant qui prend le pouls d’une société de plus en plus refermée sur elle-même et où aider son prochain devient un sacerdoce absurde. Avec un seul trait d’humour noir-en point d’orgue final, et philosophe. »

Guillemette Odicino – Telerama.fr

Léopold Legrand

Film restauré – En avant-première

Dans un oratoire désaffecté du XIIe siècle, un copiste dépose des partitions sur des pupitres de musiciens : une répétition d’orchestre va avoir lieu. A la suite d’un différend entre le chef d’orchestre et le délégué syndical, la répétition est vite interrompue… 

Sa durée, son petit budget et surtout la place qu’on lui accorde parmi sa filmographie, font penser que Répétition d’orchestre est une œuvre mineure de Federico Fellini. Et pourtant, même si on n’atteint pas tout à fait le vertige que procurent ses plus grands chefs-d’œuvre, cette répétition d’un orchestre filmée sous forme de huis clos se révèle être un petit bijou. 

Fellini n’a pas d’égal pour capter la vie d’une foule, ses bruits, ses mouvements. Véritable microcosme de la société, l’orchestre transparaît dans toute sa diversité, où les instruments sont comme autant de moyens d’expression qui se concurrencent au gré des jalousies et des piques plus ou moins acerbes. Dans un mélange détonant d’humour sarcastique et de satire sociale, le réalisateur observe ses personnages, n’occulte aucun des leurs petits défauts, les montrant dans ce qu’ils ont de plus humain. 

Prova d’orchestra est un film très riche, à la fois drôle et grave. On y parle musique, création mais aussi société, ordre, respect et anarchie dans une cacophonie orchestrée de main de maître par le “Maestro”.

Sources : Senscritique.fr – 19 septembre 2011 – Allo-ciné – 7/11/2008

A Kaboul, quatre étudiants dynamiques et assoiffés de vie, se lancent dans un projet audacieux : rénover un cinéma abandonné mais qui a miraculeusement survécu à trente années de guerre. Un acte de résistance contre le fondamentalisme des talibans ; ils iront jusqu’au bout de leur rêve pour la liberté, la culture, le cinéma.

Le décor principal du film c’est le cinéma Aryub, autrefois le plus grand et le plus luxueux d’Afghanistan, – une version afghane du Cinéma Paradiso – à l’abandon depuis les années 1990, avec ses projecteurs au charbon, ses fauteuils en velours, son grand balcon, son rideau doré et Naser, le vieux projectionniste.

Parlant de son film Louis Meunier dit : « Je suis resté 10 ans en Afghanistan et comme les Afghans j’ai été optimiste puis j’ai assisté à la détérioration progressive de la situation.
Avec Kabullywood, j’ai voulu témoigner de cette parenthèse pleine d’espoir et porter un message : quand la religion est utilisée comme prétexte pour s’attaquer à la liberté d’expression et faire table rase du passé, c’est toute la société qui est en danger . »

Un film engagé, courageux, pudique et émouvant .

La Croix – 6 février 2019
Positif – février 2019

Nanouk et Sedna, la cinquantaine, vivent harmonieusement le quotidien traditionnel d’un couple de Iakoutes. Ils coulent des jours heureux isolés en pleine toundra sibérienne. Mais le rythme séculaire qui ordonnait jusqu’à présent leur vie et celle de leurs ancêtres vacille…

Enfant, Milko Lazarov se passionnait pour les grandes découvertes de Roald Amundsen. Il dit aussi volontiers que son film Ága est un hommage à Nanouk l’Esquimau de Robert Flaherty.

Le tournage en Iakoutie (en argentique, 35 mm) a duré trente-six jours, dans des conditions climatiques difficiles. La lumière, blanche et douce, inspirée par des tableaux de Vermeer est extrêmement stylisée, notamment à l’intérieur de la yourte et sur les visages. Les extérieurs flirtent avec l’abstraction dans des plans fixes splendides où la terre semble constamment se confondre avec le ciel. On a souvent demandé au réalisateur pourquoi l’image de Ága est vignettée, c’est -à- dire avec des angles arrondis.« Il faut avoir les yeux grands ouverts dans le Nord, nous avons donc ouvert le cadre au maximum, ce qui explique ce format », explique-t-il.

Porté par une utilisation inattendue et bouleversante de la 5ème Symphonie de Mahler, ce conte universel autour des rapports entre tradition et modernité, entre parents et enfants, subjugue le spectateur, transporté dans les paysages fabuleux du Grand Nord.

Sources : Télérama – 21 novembre 2018 – Dossier de presse

VERSION RESTAURÉE. EN AVANT-PREMIÈRE

Industriel au sein d’une fabrique de chaussures, Kingo Gondo décide de rassembler tous ses biens afin de racheter les actions nécessaires pour devenir majoritaire. C’est alors que son fils Jun est kidnappé et qu’une rançon est exigée. Mais il s’avère que ce n’est pas Jun mais Shin’ichi, le fils de son chauffeur, qui a été enlevé. Gondo est face à un dilemme : doit-il dépenser toute sa fortune pour sauver l’enfant d’un autre ?

Adapté d’un roman d’Ed McBain, Entre le ciel et l’enfer est un affrontement entre deux personnages dont l’un est interprété par l’acteur fétiche de Kurosawa, Toshiro Mifune qui tournait pour la quinzième fois et dernière fois avec le maître japonais. 

Ce polar psychologique, de facture très classique, a cependant une dimension sociale affirmée en montrant la division entre les riches et les pauvres qui correspond aux deux termes du titre. Au final, cela donne un film haletant qui impressionne par sa succession de morceaux de bravoure cinématographique jusqu’à l’époustouflante conclusion. 

C’est peut-être pour ces raisons que des cinéastes aussi différents que Martin Scorsese, qui a envisagé d’en tourner un remake, ou Jean-Luc Godardet, François Truffaut, ont donné à ce long métrage , très peu montré en France, une solide réputation.

Source : Libération, Dossier de presse

Alicja a perdu la mémoire mais arrive à se reconstruire. Quand sa famille la retrouve, elle est contrainte d’endosser les rôles de mère, de femme et de fille auprès de parfaits inconnus. Comment réapprendre à aimer ceux que l’on a oubliés ? 

La cinéaste offre ici une réflexion profonde sur l’essence de l’identité, conditionnée par la société et sur la possibilité de se réinventer sans l’influence de son passé et de son éducation. Entre mystère, surréalisme et étrangeté, elle manœuvre habilement dans les scènes d’émotion. 

Le film est le résultat d’un remarquable travail à tous les niveaux. Le scénario qui façonne un personnage intrigant ; les costumes qui montrent les changements d’allures et, afin d’exterioriser les sentiments de son héroïne, la superbe image du chef opérateur Jakub Kijowski qui joue sur une palette de couleurs sombres avec des bleus, des gris et des verts froids. 

Tous ces angles d’approche servent un même objectif : dépeindre le paysage intérieur d’une femme en pleine crise, une femme qui, d’affable et conventionnelle, est devenue quelqu’un de débridé et sauvage. 

Certains verront dans ce personnage une métaphore de l’état d’âme de beaucoup de femmes dans la Pologne d’aujourd’hui, qui essaient de se libérer du rôle social qui leur est traditionnellement dévolu. 

Sources : Cineuropa – 16/02/18 – (Ola Salwa). Toute la culture – 16/05/18 – (Aurore Garot).